10 спектаклей, которые стоит посмотреть в Москве до конца сезона

Регулярные перемещения между двумя столицами — уже норма сегодняшней жизни: полет в Москву занимает порой меньше времени, чем поездка по пробкам на дачу. А стало быть, и вопрос культурного досуга в первопрестольной набирает актуальность. И тут у нас для вас хорошие новости: театр в Москве живет жизнью бурной, экстремально-экспериментальной, он удивляет и вдохновляет смелыми, актуальными образами и мастерством всех участников процесса.

В гиде по спектаклям эксперт «Фонтанки» собрала особенно любопытные и при этом неожиданные по форме или сюжету спектакли. Он поможет сориентироваться во всем многообразии московской театральной афиши и не стать жертвами плачевно известного «чёса», а также познакомит с новыми пространствами, которые появились в Москве не так давно, но уже стали местом паломничества настоящих театральных гурманов.

Наши рекомендации касаются мая-июня, но не устареют и в новом сезоне, поскольку театр в России, по счастью, репертуарный, а это значит, что живут спектакли не один год. В основном, в гиде присутствуют спектакли новые, но есть и исключения, к которым относятся постановки, не только не утратившие остроты, но и претендующие на роль определяющих для своего времени театральных высказываний.

Отважная попытка показать персонажей гоголевского «Ревизора» в сегодняшней реальности

В чем может каяться современный губернатор из глубинки и какими речами себя оправдывать? Чем занимает себя губернаторша, чтобы заработать рейтинги и утереть нос соперницам? Как сегодня выглядит дача взятки должностному лицу? Что ждет нынешнего Хлестакова, если он хотя бы только подумает сбежать? В «Сатириконе» отвечают на эти вопросы так, как здешние артисты во главе с Константином Райкиным блестяще умеют: доходя до самой кромешной жути, но не теряя азарта и чувства юмора, с деталями, которые высвечивает огромная хирургическая лампа, зависшая над сценой.

Сложносочиненный в процессе репетиций с режиссером Юрием Бутусовым текст просится в афоризмы. Отвязный губернатор Тимофея Трибунцева, убежденный, что, раз уж занял этот пост, «надо кровь пить», иначе на твое место придет другой, который «будет кусками рвать», приснится вам в кошмарах, а в Хлестакове-Райкине, которому всего лишь «хочется легкости», потому что, «как только начинаешь думать, так тяжело сразу становится», вы узнаете себя в минуту малодушия. Дохлая ворона, которую чиновники таскают по сцене, напомнит о русской пословице: «Старый ворон зря каркать не станет». В самом деле, чего зря каркать? И так всё ясно. И подтверждением тому — самая страшная «немая сцена» из всех, когда-либо поставленных. Есть у режиссера Бутусова фишка: в один из моментов спектакля заполнять сцену однотипными предметами, ключевыми для сюжета. В этот раз сцену заполняют люди — точнее, призраки невинно убиенных и неотмоленных соотечественников с разными именами и должностями, но с близкими датами смерти: 1936, 37, 38. Это они не дадут сбежать Хлестакову, и тому ничего не останется, как пополнить ряды «просто исчезающих» людей.

Но главная фишка спектакля в том, что, если у Гоголя позитивным противовесом русскому мороку становился «смех автора», то здесь настоящий катарсис обеспечивает отвага и художественное совершенство творческой команды.

История про то, чем может обернуться безответственный эксперимент

Спектакль одного из двух самых востребованных российских режиссеров, Антона Федорова, категорически не похож на фильм Владимира Бортко по той же булгаковской повести. Калабуховский дом давно разрушен, стены сохранились лишь местами, а за ними обнаруживается не Москва вовсе, а закулисье. Булгаковский сюжет превращен в театральную игру, где Преображенский — Игорь Гордин подзывает милейшего бобтейла словами: «Пойдем со мной, у нас в театре спектакль «Собачье сердце»», а исполинского роста Шариков — уже в человечьем обличье и в исполнении актера Андрея Максимова — приводит в квартиру с целью «сообразить на троих» монтировщиков в футболках «100 лет МТЮЗу», да еще и напутствует их: «Мужики, держите внимание зала, а то мы их потом не соберем».

Обилие остроумных гэгов снимает пафос, но не отменяет серьезного разговора о том, что, выбирая покровительство власти и практикуя эскапизм (вместо рекомендации не читать советских газет, Преображенский после слов «не читайте» жестом изображает, как скролит новостную ленту на воображаемом смартфоне), легко соблазняешься комфортной безответственностью и в итоге совершаешь то, что превращает твою жизнь в катастрофу. И тут профессор-Гордин ведет себя как детсадовец — забивается в кресло и только что не кричит: «Я в домике». И сидит там долго-долго, несчастный и одинокий.

Но есть в спектакле и второй важный сюжет: человеческие слова и любовь, почти что материнская, для «зародившегося в результате эксперимента» персонажа находятся только у прислуги, профессор же и его ассистент Борменталь обращаются с новым человеком, как с собакой — общаются окриками и приказами, а Борменталь и вовсе теряет в финале человеческое лицо, остервенело избивая Шарикова ногами. В итоге два часа перманентного смеха приводят публику к серьезному выводу: человеком нас делают не физиологические признаки, а исключительно добровольно взятая на себя личная ответственность за всё, что происходит вокруг нас.

Кстати, если вы отправились в Москву с подросшими детьми, самое то — пойти в МТЮЗ всей семьей на «Ромео и Джульетту» Петра Шерешевского (18+) — этот тот самый еще один максимально востребованный на российских просторах режиссер (из Петербурга), который в декабре 2023 года стал главным режиссером этого театра. Он нашел идеально корректный способ в одном спектакле показать и шекспировский финал (трагический), и устроить хэппи-энд крайне убедительным современным молодым героям. Спектакль гарантированно обеспечит вам мощнейший театральный драйв: смотреть 19 мая и 14 июня.

Хроника возмездия по мотивам главной трагедии и других текстов Пушкина

Конёк петербургского режиссера Петра Шерешевского — мастерски адаптировать к современности любые классические тексты, причем не просто на уровне идей, а помещая героев в конкретную сегодняшнюю предметно-ситуативную реальность. Собственно, кто видел «Идиота» в питерском «Приюте комедианта», понимает, о чем речь.

С недавних пор у Шерешевского появилась еще одна лейттема — возмездие за содеянное. Его «Годунов» — фантазия про личный ад царя-убийцы, как, собственно, и у Пушкина. Но в каноническом тексте царь страдает при жизни, а Годунова, которого играет колоссальный артист Игорь Гордин (к счастью для нас, не испытывающий недостатка в ролях), — нечистая совесть терзает и после смерти. Фактически Шерешевский своим спектаклем отвечает на гамлетовский вопрос: «Какие сны в том страшном сне приснятся?» «Разумеется, страшные, не дай бог никому», — уверен режиссер.

Его Годунов пробуждается на столе в современном спортзале, садится спиной к публике, и тут становится понятно, что перед нами труп: костюм на спине перехвачен крупными стежками. Оказывается, просыпаясь каждый раз в новом месте и новом времени, Годунов видит в окружающих людях действующих лиц его личной трагедии и всю жуткую историю своего преступления, борьбы за престол и смерти проживает по новой, включая и те события, которых видеть он не мог: предательство соратников, вроде бы самых верных (эти переобуваются на авансцене буквально и стремительно, под руководством изумительного Виталия Коваленко, играющего здесь представителя «рода Пушкиных мятежного»), и смерть собственных детей, и захват власти самозванцем. И образ школы тут очень кстати. Мало что так любит российская власть во все века, как общение с доверчивой детворой.

Мир глазами шекспировского царя-злодея

Этот спектакль и описанный выше «Годунов» имеют фактически один сюжет и воспринимаются как дилогия: соблазн властью — убийство — возмездие. Про то, что режиссер хотела показать ад в голове человека, поддавшегося соблазну и захватившего власть кровавым и вероломным путем, рассказала сама Лиза перед премьерой. Но уникальность режиссуры Бондарь — в жесткой структуре. Имея диплом режиссёра музыкального театра, она ставит драматические спектакли как оперные: ничего случайного, всё выверено, вплоть до голосов исполнителей, не говоря уже о мизансценах и сценографии.

Сказать, что мир «Макбета» мрачен — ничего не сказать, это кромешная жуть и трэш: обломки ржавого железа, вздыбившаяся могильными холмами земля и вертикальная металлическая конструкция в центре, напоминающая одновременно и мертвое дерево, и ядерный гриб. Макбет — Дмитрий Гизбрехт (как, впрочем, и остальные персонажи спектакля) кажется тенью самого себя. При этом говорит заглавный герой невероятным языком: драматург Анна Лифиренко вместе с режиссером препарировала текст, заменив корни слов на их искореженные гопницкие подобия.

А леди Макбет красавицы Марии Смольниковой выглядит тут двойником той единственной ведьмы, что появляется в спектакле вместо трех шекспировских — с такими же белыми космами, но при этом с невероятно тонким и высоким, почти детским, голоском, который (и в этом слышится невыносимый диссонанс) подталкивает Макбета к злодеяниям, но недолго: надо ведь лишь начать убивать, дальше уже вдохновители не требуются. Вот в таком беспросветном антураже разыгрывается самый, пожалуй, страшный из шекспировских сюжетов — про то, что в момент, когда тебе кажется, что ты поимел судьбу, она на самом деле уже вовсю имеет тебя.

Люди и вещи в магической театральной легенде про одного фокусника

Московский еврейский театр «Шалом», возродившийся из пепла с приходом на пост худрука в конце 2021 года Олега Липовецкого, работает без провалов. Так что для похода в театр можно выбрать, не рискуя прогадать, практически любой спектакль здешней, пока не очень обширной, афиши. Но «Люблинский штукарь» по роману нобелиата Исаака Башевиса-Зингера, только что выпущенный в «Шаломе» театральной волшебницей из Петербурга Яной Туминой, абсолютный must see. Прежде всего потому, что Яна говорит с публикой на особом театральном языке, сходным с магией: предметы и визуальные образы в её постановках живут неожиданной и насыщенной жизнью.

История Яши Мазура — Евгения Овчинникова, потерявшего родителей в семь лет и мучительно ищущего смысл собственного бытия, зарабатывая на жизнь фокусами на арене, рассказана Яной как философская сказка в картинках, ярких, как в детских книжках, и наполненных важными смыслами и ассоциациями. Подключая на уровне стиля Шагала и Магритта, Маркеса и комедию дель арте, заставляя главного героя балансировать не только между четырьмя возлюбленными, но и между чертом и ангелом (у Яны это два реальных персонажа, ни на секунду не оставляющие Яшу), режиссер превращает действие в захватывающий монтаж аттракционов. А в финале дает зрителям физически, используя только лишь большой лист крафтовой бумаги, ощутить, что такое жизнь, разодранная в клочья, и потом вдруг раз — и оставляет один на один с чудом возрождения.

Сага об огромном еврейском семействе в цивилизованной Европе XX века

Наш выдающийся современник Алексей Владимирович Бородин, который руководит главным молодежным театром страны с 1980 года, обладает уникальным даром, мало кому ныне доступным: мыслить романно, масштабно, рассказывать со сцены не частные сюжеты, а показывать историю как глобальный процесс, от которого не спрячешься. Ощущение эпохальности зрелища, которое петербургским театралам хорошо знакомо по спектаклю «Братья и сестры» Льва Додина, а москвичам по «Берегу утопии» того же Бородина, — незаменимый и впечатляющий театральный опыт, стимулирующий работу мозга.

Пьесу «Леопольдштадт» создал тот же замечательный англичанин, что и «Берег утопии» — Том Стоппард, обладатель «Оскара» (за сценарий «Влюбленного Шекспира») и венецианского «Золотого льва» (за фильм «Розенкранц и Гильденстерн мертвы», где он выступил и сценаристом, и режиссером). С Бородиным Стоппарда связывает многолетняя дружба, и в России на «Леопольдштадт» у РАМТа от Стоппарда - эксклюзивные права.

Название отдаленного от центра района Вены, где по традиции селились евреи, становится символом одной из самых страшных и не имеющих внятного объяснения ментальных болезней человечества — антисемитизма. Но Бородину, как и Стоппарду, хватает мудрости посмотреть на проблему философски, максимально уходя от сентиментальности, столь часто используемой манипуляторами на этой теме, а позволяя зрителю насладиться интеллектуальным театром и осмыслить Холокост как частный случай любой ксенофобии. После просмотра спектакля, в котором заняты десятки актеров, включая детей, остается примерно такое же ощущение, как после прочтения всех четырех томов «Войны и мира» Толстого.

Нежный и ироничный спектакль про жизнь как чудо

Пространство Внутри — одна из тех самых камерных театральных локаций в центре Москвы (рядом с бывшим Гоголь-центром), в котором не просто уютно, как дома, в нем еще и часто случаются настоящие театральные события. Поехать за ними стоит не только из Петербурга, но и из любой точки страны, но мест в зале так мало, что билеты надо покупать очень и очень заранее. Пространство, созданное архитектором и театральным продюсером Олегом Карлсоном, работает как открытая площадка, где находят приют лучшие театральные команды столицы.

«Наше сокровище» — спектакль одной из таких команд, которая называется «Дочери Сосо» и которую создала Женя Беркович. Сюжет самой известной в мире рождественской песни, переведенной на десятки языков — «Тихая ночь», — режиссер перенесла в наши дни, и вы сходу узнаете в овечках, волхвах, осле и воле людей, с которыми ежедневно сталкиваетесь на улице. Вместо Марии и Иосифа в холодном, неуютном закутке, напоминающем хлев гораздо больше, чем человеческое жилище, обитают беженцы, ожидающие малыша. И хоть мальчик Сережа «родится не в лучшем году и страну мог бы выбрать не ту», ангел его не оставит.

Так что спектакль имеет еще и бальзамический эффект для истерзанных новостной повесткой душ соотечественников. А в игре замечательных актрис «Дочерей Сосо» и в стихах Жени Беркович, половину из которых театральный люд уже распевает тут и там, столько отборной умной иронии, что очистительный смех вам гарантирован.

Кстати, а этом же пространстве идет и хит столичной афиши «Где ты был так долго, чувак?» уже упоминавшегося в этом гиде режиссера Антона Федорова, где из жестов и междометий рождается узнаваемый национальный миф, не пафосный, но осмысленный и беспощадный. Его можно увидеть и посмеяться в буквальном смысле до слез 13 и 14 мая. 18+

История страны в биографиях персонажей советского барда

«Кабаре Галич» — проект воронежской актрисы Яны Кузиной и режиссера Михаила Бычкова -— спектакль-гастролер, так что не очень понятно, когда, кроме указанной даты, его еще можно будет посмотреть. Но смотреть его надо непременно, потому что, в отличие от самого Галича с его монотонной манерой исполнения, рыжеволосая актриса-красавица Кузина эти песни не просто поет, она ими гипнотизирует, ворожит и, мастерски управляясь с ритмом и рифмами, затягивает слушателей в мир Галича. А если учесть, что сюжет каждой песни тянет на сериал, то следить за перипетиями и метаморфозами на фоне невероятной истории страны и за акцентами, которые актриса расставляет с куражом и изяществом, — особый кайф.

История постовой Леночки, ставшей волею судьбы эфиопской шахиней, история генеральской дочери, высланной в богом забытую Караганду, и еще с десяток жанровых, но жизненных повестей будут перемежаться лагерной лирикой, от которой мурашки по коже — и тут сильный голос Яны, который в течение вечера будет и соблазнительным («Промолчи, попадешь в первачи»), и вызывающим («Спрашивайте, мальчики, спрашивайте»), и по-матерински теплым от сочувствия к этим несчастным русским бабам, — станет железным. И один раз прозвучит со сцены голос самого Галича, потому что про «Не надо, люди, бояться» и про «Бойтесь единственно только того, кто скажет: «Я знаю, как надо»» — это его реальный личный опыт, закодированный в песне.

Фундаментальный труд Маркса популярным и гомерически смешным языком и премьера знаменитого романа Мэри Шелли

«Среда 21» — еще одно камерное театральное пространство, где можно получить незабываемый и эксклюзивный театральный опыт. Это проект успешного театрального продюсера Татьяны Лукьяновой. Официальный слоган площадки — «В своей среде» — полностью соответствует здешней афише и атмосфере: поход в «Среду» на спектакль или на творческий вечер — всегда встреча с единомышленниками, ценителями искусства, не только театрального, думающими, ищущими, содержательными людьми.

«Капитал» — самый легкий для восприятия спектакль репертуара «Среды 21». Это «Капитал» Маркса устами безумца и параноика. Уморительно смешной персонаж — профессор, герой виртуозной буффонады, придуманной режиссером Надей Кубайлат и актером Александром Николаевым, используя несколько килограммов муки, школьную доску, мел, учебную парту и самые элементарные бытовые предметы, предлагает каждому в зале почувствовать себя товаром и субъектом товарно-денежных отношений, в которых от нашей личности не зависит практически ничего. И ему это блестяще удается.

И еще об одном спектакле: ближайшей премьере «Среды 21» под названием «Франкенштейн» по роману Мэри Шелли. Та же Надя Кубайлат, но на сей раз пригласившая в соавторы, кроме Александра Николаева, еще и Яну Кузину (см. текст про «Кабаре Галич»), и артиста с внушительной фильмографией Александра Мизёва, предложит свою версию одного из самых популярных в мире сюжетов — истории о чудовище, преследовавшем и убившем своего создателя.

Жанна Зарецкая, специально для «Фонтанки.ру»